viernes, 9 de agosto de 2013

Jorge Ramos y su Sonora de Oriente - Con Salsa y Candombe - 1976







Casi nada podemos encontrar sobre Jorge Ramos en internet. Lo único que aparece en esta y otras páginas es éste disco. El disco se compone por temas en plena, cumbia, salsa y candombe canción. El candombe canción en esta formación de "Sonora" se da por primera vez, como género musical en Uruguay de la mano de Pedro Ferreira. Artista uruguayo conocido por sus temas "La llamada" y "Biricuyamba". Estamos en busca de un disco de él, original para poder pasarlo a digital y subirlo a nuestro blog. En el presente en Uruguay, muy poca gente cuenta con algún disco de Pedro Ferreira; el mismo solo fue editado en vinilo. Dada la escasez de material sonoro y escrito nos tenemos que limitar por el momento a compartir lo poco que nos llegó que es este hermoso disco. Muchos arreglos de viento y piano junto a la cuerda de tambores dan un sonido único que nos invita a no parar de escuchar. De la ciudad de Montevideo, desde el barrio Palermo les dejamos este disco "Con Salsa y Candombe".


Temas


01 - Al Paso de la Plena
02 - Alumbra Luna
03 - Biricuyamba
04 - Hay Mamá
05 - Hueso Na Má
06 - La Gente
07 - La Llamada
08 - Llega Fantasia
09 - Mi Sangre Está Alborotá
10 - No Me Engañas
11 - Tambor
12 - Tambores Por La Ciudad


Escuchá!


Aprovecho esta instancia para avisar a los lectores y escuchas del Milagro Verde que hemos comenzado después de un tiempo de ausencia a resubir todos los materiales que están faltando. Gracias.

domingo, 24 de marzo de 2013

Músicos - Fotografías del Archivo Lauro Ayestarán

 

La muestra

Decía en 1959 el musicólogo Lauro Ayestarán (1913-1966):
        "Cuando hace muchos años me propuse la idea de armar la historia de la música en el Uruguay [...] me encontré con que faltaba un pedazo capital del alma de nuestra cultura, de esa alma que no se refleja a través del documento escrito de la música culta, sino que estaba en la voz eterna, permanente del pueblo.
       Y se me ocurrió que para completar esa visión de lo que somos en el mundo en materia musical, no había más remedio que acercarse al pueblo y tomar de él, esa verdad que quedaba entrañada en su voz. 
        [...] Me lancé al interior del país con un pesado grabador de discos, para tomar de la voz de los paisanos, los vestigios que quedaban de este, nuestro presumible folclore."

Entre 1943 y 1966 Ayestarán realizó más de tres mil grabaciones de músicas populares recogidas en distintos puntos del territorio, viajando en tren, ómnibus y carreta. El registro debía ser completo: durante el trabajo de campo, la cámara fotográfica se sumó al grabador de sonido.
En su recientemente recuperado archivo se conservan hoy cientos de fotografías, realizadas con mirada atenta y sensible a lo largo de veintitrés años de documentación musical.

Los autores

El Centro Nacional de Documentación Musical Lauro Ayestarán (CDM) fue creado por resolución del Ministerio de Educación y Cultura de fecha 26 de marzo de 2009, sobre la base de los materiales del archivo del gran musicólogo adquiridos por el Estado uruguayo.
Las tareas realizadas desde entonces han incluido el inventario y ordenamiento, la correlación de los distintos materiales entre sí, la clasificación y catalogación, el comienzo de recuperación de documentos dispersos, y la digitalización gradual de escritos, pautaciones e imágenes. El acervo ayestaraniano se ha visto enriquecido por donaciones y adquisiciones.
El proyecto CDM se basa en el espíritu de Lauro Ayestarán, pionero de una musicología uruguaya, con una visión abierta a otras experiencias culturales, a otros ámbitos antropológicos, a otras manifestaciones artísticas. En estos cuatro años, el CDM ha organizado coloquios y seminarios, ha iniciado tareas de investigación y ha realizado varias publicaciones.
La selección que conforma esta muestra incluye fotografías tomadas en buena parte por el propio Lauro Ayestarán, así como aportes de otros fotógrafos, entre los que se destacan Apolo Ronchi y Enrique Pérez Fernández.

(Información obtenida del boletín de la muestra, creado por el CDM-CDF)

Del 1º de Marzo al 24 de Abril en la fotogalería del Prado, Montevideo, Uruguay.
 

miércoles, 7 de noviembre de 2012

EL MILAGRO VERDE EN EL TEMBÉ! - FIESTA ANIVERSARIO



CON MOTIVO DE NUESTRO ANIVERSARIO Nº 3, DECIDIMOS COMPARTIR NUESTRA MÚSICA CON USTEDES BAJO LA FRASE: 3 AÑOS - 3 DJ´S.

VIERNES 23 DE NOVIEMBRE EN EL "TEMBÉ BAR" (soriano y andes)

22hs

ENTRADA GRATUITA

A LA CALLE!

http://www.facebook.com/tembe.uruguay

domingo, 14 de octubre de 2012

Descarga de el Imperio EP (Dj Rogelio Huerta) + Entrevista!

Hoy el Milagro Verde tiene el agrado de presentar a Rogelio Huerta. Un joven productor musical y DJ de Monterrey, México, que se especializa en el género 3Ball Prehispánico. Para los que no lo conocen, el Tribal Prehispánico es una rama de la nueva música electrónica mexicana llamada Tribal, 3ball Guarachero. A aproximadamente 10 años del nacimiento del género, con una escena muy grande de productores en todo el país, y muchos jóvenes que lo bailan, el Tribal fue despertando la atención en el mundo por su ritmo y nuevas sonoridades. Con el tiempo ha desarrollado diversos sub géneros que lo hacen ya una música única y compleja, y por sobretodas las cosas, 100% mexicana. El tribal prehispánico hace énfasis en la culturas  mayas y aztecas, utilizando instrumentos de esas civilizaciones ancestrales (como caracolas, semillas, flautas, ideófonos de piedra y caparazón de tortuga), así como samples de documentos sonoros que describen su cultura (sobre dioses, rituales, poemas, anécdotas). A esto se le suman sub-bajos con influencia cubmiera, guarachas, logrando un música híper profunda. Es hermoso ver cómo se conecta la tecnología de hoy con las culturas milenarias!

Rogelio, que es alto compositor en este rubro, ha terminado un EP llamado "El Imperio", que reúne sus producciones prehispánicas. Y como suena!! Es genial!!
Aquí su link de descarga gratis! (entregado por Rogelio para El Milagro Verde)

http://www.mediafire.com/file/18jklqwgou0slzv/EP_EL_IMPERIO(3BALL_PREHISPANICO)RH.rar




Aprovechamos para entrevistar al pibe, que nos responde con mucha amabildad estas simples preguntas:

0) Cuáles son tus inicios como productor de tribal?

Mis inicios fueron a eso del 2006 con un poco de música tribal guarachosa. Desde ese año empecé a producir y ir cambiando mi estilo a como iba teniendo experiencia y eso, a inicios del 2007 empecé a tener una incertidumbre de cómo quedarían unos ritmos prehispánicos, que desde pequeño he sido fanático de su cultura e historia por lo tanto hice y jugué un poco con samplers, congas, y sonidos mayas y poco a poco ir mejorando mi estilo salir un poco de lo autóctono de los sonidos prehispánicos a algo mas guapachoso bailable :) . En 2010 conocí a Javier Estrada, mi principal propulsor de la música prehispánica que yo lo considero como una gran revelación sobre esta música en México, sobretodo me basé en él y en su conocimiento ya que tenía un largo tiempo en el ámbito de la música. La idea y mi principal objetivo era que la gente se volteara a ver que nuestras raíces tenían algo muy interesante como su música, sólo agregando una combinación con la evolución del tribal :). De ahí salio todo.

1)Cómo es la escena de tribaleros en Monterrey?

Pues fenomenal por que aquí en Monterrey es donde se ha promovido el tribal a su máximo resplendor con diferentes agrupaciones del género.

2) Cada cuánto tocas y donde lo disfrutas más?

Mínimo cada dos semanas por contrataciones y ese estilo y los disfruto más con la gente de secundaria, y primaria donde les agrada el ritmo tribal prehispánico y gurachoso.

3)Cuales son tus herramientas en el ordenador (y si tienes) instrumentos acústicos para componer tribal?

Unos bongós físicos,
una flautilla y ahí empiezo a practicar :). De ahí salen las ideas las cuales ya después plasmo en FL STUDIO.

4) Has tenido contacto desde pequeño con instrumentos pre hispánicos?

No contacto, pero si fanatico sobre su cultura, su forma y sus costumbres que efectuaban en esas épocas.Desde pequeño empecé a seguirlos. Leer sobre nuestras raíces prehispánicas, interpretar cada contenido como si lo estuviera viviendo.

5) Cual es tu versión de cómo se fue creando el tribal prehispánico? / Qué futuro le ves?

El prehispánico es como el precursor del tribal guarachoso solamente que se le incorporó bajo de cumbia, el tribal de África y ritmos o percusiones prehispánicas. Se originó a mediados del 2004 o 2006 con varios djs de mexico creando tribal con sonidos algo prehispánicos y vocales africanos o ya en su caso prehispánico. Y sobre el futuro que le veo es que vaya evolucionando la forma en que jueges con los sonidos precolombinos y que salgan mas subgéneros del mismo ya que depende de cada persona como haga su estilo pero con fineza que no desentone lo prehispánico.

martes, 2 de octubre de 2012

Neba Solo - Kene Balafons



Souleymane Traoré, apodado por sí mismo como Neba Solo, nace en 1969 en la aldea de Nebadougou,  región de Sikasso, en Mali. Su nombre artístico proviene de la abreviación de "Nebadougou" y de "Souleymane". Llega al Balafón por intermedio de su padre, que era músico y fabricante de balafones. Así aprende a tocar y a construir su propio instrumento. Como fabricante de dicho instrumento decide añadirle al balafón tradicional, tres teclas más en madera con la finalidad de tener más sonido en la sección de los graves. Neba Solo comienza a hacerse conocido en Mali alrededor de los 90´ luego de lanzar "Hommage à Lamissa Bengaly". Se hace famoso también por marcar una diferencia en la manera de componer su música. Por lo que pudimos recabar, ya el hecho de que su instrumento pueda reproducir notas más graves que los demás balafones, lo hace ser un innovador del ritmo. A eso le suma la voz que se canta en Senufo, lengua que forma parte de la Lengua Mandé, del grupo de los Mandé.

El balafon es un instrumento idiófono de teclado de madera, con resonadores de calabaza, oriundo de África, está compuesto por entre once y veintiún teclas que se ordenan de la más pequeña a la más grande y que resuenan gracias a que se le sitúan calabazas también de distinto tamaño por debajo de las teclas. El Balafón se aprende primeramente en una versión del instrumento para jóvenes que tiene menos teclas, para que luego, bajo la dirección de un maestro se le añada lo necesario para tomar la forma de Balafón. Se toca solo o formando parte de una agrupación en donde es acompañado frecuentemente con raspadores, koras, sanzas y tambores. El Balafón es un instrumento de identidad, por eso se toca en fiestas, ritos ceremoniales, funerales, como también se toca en sociedad. La diferencia reside ahí si es un Balafón común o un Sosso Bala, que quiere decir Balafón sagrado.

Supuestamente su primer nombre era "Bala", luego se le añade la palabra "Fon" que significa  "tocar"."Balafón" significa entonces "tocando el instrumento Bala". Para entender el nacimiento del balafón y su importante rol que cumple en la cultura Dogón nos tendríamos que ir a los comienzos del siglo XIII, cuando Soumaoro Kanta era rey del pueblo Susu. Dicho rey se caracterizó por su tiranía pero también por sus habilidades hechiceras. Durante su reinado recibe un obsequio del rey de los espíritus genios, Jinna Maghan, el Sosso Bala. Un instrumento en madera que poseía poderes sobrenaturales, el cual Soumaoro utilizaba como oráculo para obtener información sobre el futuro, lo que le ayudaba a preparar sus guerras. El Sosso Bala volvió a Soumaoro invencible y se guardó el poder para sí mismo, prohibiendo a toda persona que tocase dicho artefacto sagrado.


Bala Faseke Kouyate, un Djeli al servicio de Sunjata Keita, logra colarse al palacio del Rey Soumaoro y se pone a tocar el Sosso Bala a escondidas. El Rey encuentra a Bala Faseke en el acto y este  improvisa una canción de alabanza para amenizar el problema. El Rey Soumaoro queda impresionado por la habilidad de Bala Faseke y en lugar de castigarlo, le perdona la vida y lo contrata como su músico, pasando a ser la única persona autorizada para tocar el sagrado instrumento.

Al poder percutir el Sosso Bala, Bala Faseke conoce los poderes sobrenaturales del Rey Susu y lo utiliza para tener la información de como derrotar al Rey Sosso, para que Sunjata Keita con su imperio pudiera derrocar a Soumaoro Kanta.

En 1236 Sunjata Keita derrota al imbatible Rey Sosso con su ejercitó y funda el Gran Imperio de Mali para unificar a todos los pueblos Mandé. El Sosso Bala pasó a ser un trofeo de guerra y Bala Faseke continuó siendo su Djeli personal como de costumbre. Cada balafón construido tiene su orígen en la Epopeya de Sunjata.


Las tradiciones musicales malienses derivan de los Djeli, conocidos como "Guardianes de la memoria" que ejercen la función de transmitir la historia de su cultura. La música de Malí es diversa y lo que guarda su memoria no es solo su música. Malí ha sido siempre uno de los centros intelectuales más activos de África en donde la tradición literaria fue divulgada principalmente de manera oral. Entre los Dogón existen multitud de tradiciones orales que relatan la historia de su origen. Una de ellas explica que provienen del Mandé, situado hacia el suroeste de los riscos de Bandiagara, cerca de Bamako. De acuerdo a esta tradición oral, el primer emplazamiento dogón se estableció en el extremo suroeste de la escarpadura de Kani-Na. Con el transcurso del tiempo, los dogón se mudaron hacia el norte, a lo largo de esta escarpadura, llegando hasta la región de Sanga en el siglo XV. Otros relatos orales sitúan el origen de los dogon hacia el oeste, más allá del Río Níger, o afirman que el pueblo dogón viene del este. Los Dogón actuales probablemente estén formados por múltiples grupos de diverso origen que migraron para escapar de la islamización.



Documental sobre la cultura del Balafón





El Sosso Bala desde el año 2008 forma parte del Patrimonio Cultural Inmaterial.



Temas


1. Kenedougou foly

2. Noumou foly

3. Dely fara mande

4. Vaccination

5. Kalawani

6. Nyogo dafa

7. Cinporoko nonougoro

8. Vaccination (edit version)

9. Kenedougou foly (edit version)



domingo, 12 de agosto de 2012

Dos Cassettes desde Marruecos




Hoy, con poca información pero mucha curiosidad, subimos dos cassettes que trajo el CorujaChico en su viaje a Marrucecos.
A)     "GNAWA SPECIAL Vol. 4"
 Un especial del género folklórico marroquí llamado Gnawa, es un cassette que procede de Meknes, ciudad del norte de Marruecos con un millón de habitantes.

Podemos describir brevemente lo que la palabra significa por esa zona:
Gnawa es el nombre de corfadías místicas musulmanas que hacen uso de cantos, danzas y música en modo  transe hipnótico para  expulsar demonios y  curar determinadas enfermedades (especialistas en picaduras de escorpión y trastornos mentales!) .
Los Gnawa son descendientes de esclavos  aprisionados por los gobernantes árabes y berberes de la actual Argelia y Marruecos, que con el tiempo se conviertieron al islam manteniendo algunas de sus creencias y rituales. Sincretismo similar a la formación de cultos afroamericanos como el candomblé y la santería. (Un buen ejemplo de la santería, con sus raíces religiosas y musicales se puede escuchar y leer en este rip del Milagro Verde : El Madamo Joe y sus Santeros )
En cuanto a la música que estas cofradías hacen, es una interesante mezcla entre la cultura árabe y la subsahariana. Cuenta con instrumentos como :  
El Guembri o Sintir (de tres cuerdas y registro grave)


El Tbel o tambor :


Y las qraqeb, castañuelas de metal :
El gnawa tiene un ritmo veloz, dinámico, con evidente influencia de la música subsahriana. Los cantos son diálogos entre una voz principal que realiza invocaciones y es respondida por el coro.
Los bailes son también muy rítmicos. Los participantes suelen mover la cabeza describiendo círculos, movimiento que se contagia al resto del cuerpo: dan entonces vueltas sobre sí mismos, al tiempo que se ponen en cuclillas y siguen girando; de este modo, llegan a entrar en trance.
Los gnawa llevan también unos atuendos particulares, cuya principal característica son los elementos decorativos a base de conchas de cauri.
Todos los años se realiza un festival de Gnawa en Essouira, al sur de Marruecos, donde convive esta con otras músicas del mundo.

Este cassette incluye 4 canciones, y parece ser más del tipo Gnawa urbano que se fue deformando por el paso del tiempo y no tanto del folklórico de los inicios (De todas maneras las objeciones son sólo según el los sonidos, porque de la letra no logro comprender nada). Dulces guitarras eléctricas que parecen salidas de Bamako, trompetas sintetizadas típicas de la música de esa zona, apacibles líneas de sinte y ritmos electrónicos conviven con el mencionado diálogo de coro y voz principal y los clásicos instrumentos del género.


Rip de cassette mp3 320 kbps: http://www.mediafire.com/?2url4id9hej85aa

B)      "ANGHAM LM 106"

 El chaabi es otro tipo de música popular folklórica marroquí que tiene más público que el Gnawa, y aunque haya muy poca información sobre los orígenes de esta música,  sí se pueden encontrar un sin fin de producciones discográficas, tanto modernas y urbanas  como  folklóricas . Buenos sitios para apreciar esta música en su actualidad pueden ser  (variada calidad de compresión sonora) : http://www.wahzik.com/  y http://www.simophone.com/

De este cassette podemos decir que es un chaabi  cantado por mujeres, bajo eléctrico, taarija, y banjo en todas las canciones. 

Rip de cassette mp3 320 kbps: http://www.mediafire.com/?2txra422ilnt1xz

Disfruten esta excepción árabe/africana en el Milagro !!

jueves, 2 de agosto de 2012

Israel López "Cachao" - Cuba Linda




Músico y compositor cubano nacido en La Habana en 1918 y muerto en Miami del 2008. Este señor es considerado junto a Perez Prado el creador del mambo. En 1937, Cachao y su hermano Orestes López componen Mambo, una pieza musical que luego se transformaría en ritmo. Se trataba de una variación mucho más rápida del danzón, un tipo de música cubana de estilo elegante y pausado que invitaba a bailarlo lento. La propuesta de los hermanos Lopez no fue entendida al principio por el público ya que no supo como bailar aquello tan acelerado. Fue a finales del 1940 Pérez Prado quien popularizara el género al hacerlo más lento.

Israel López a los ocho años componía piezas musicales en los grupos infantiles en los que tocaba diferentes instrumentos, aunque pronto se decidió por el contrabajo gracias a la influencia de su abuelo Aurelio López Cachao. De ahí el sobrenombre. Estudió música clásica en el conservatorio de Cuba y a su vez como primer trabajo, interpretaba el acompañamiento musical de las películas mudas que se proyectaban en los cines cubanos, actividad que desarrolló conjuntamente con Ignacio Villa, que años más tarde sería conocido con el apodo de Bola de Nieve.

A los trece años entró como bajista en la Orquesta Filarmónica de La Habana, en la que permanece hasta 1960, en este período tocó bajo la batuta de directores invitados del prestigio de Herbert von Karajan e Igor Stravinski. Cachao mantenía en paralelo la actividad musical clásica con la música popular cubana, actuando en las orquestas de los clubes nocturnos de La Habana. Entre 1937 y 1949 forma parte de la banda Arcaño y sus Maravillas. Junto a su hermano en esos años componen centenares de canciones que forman parte del legado musical cubano.

Creador inagotable de nuevas tendencias, Cachao continuó en los 50 con su música la que fue derivando hacia el jazz y los ritmos africanos. Era el momento de las sesiones nocturnas con músicos cubanos en estudio, aquí nacen fruto de la improvisación, grabaciones que luego serían conocidas como las famosas “descargas”, improvisaciones de larga duración y con extrema potencia.

Las descargas y el mambo es lo que principalmente heredamos de Cachao, pero también los salseros le deben su crédito, ya que sirvió de gran influencia en el nacimiento de la misma. La influencia del músico cubano llegó también a Estados Unidos, país al que Cachao llega después de abandonar Cuba en 1962. Su primera etapa transcurre en Nueva York, allí tocó en las orquestas de las figuras latinas del momento como Tito Puente, Eddie Palmieri y Tito Rodríguez. El estilo de Cachao deriva finalmente en el jazz latino y su influencia llega a los músicos negros de jazz, soul, funk y de rhythm and blues.

Cachao abandona Cuba en los 60´ y nunca más volvió a su país, por lo que su figura no tiene en la isla el mismo reconocimiento que en Estados Unidos o en otras partes del mundo. De todas formas su familia sigue siendo un referente de la música cubana, gracias a su sobrino Cachaíto López, hijo de Orestes, miembro del grupo Buenavista Social Club.

Dejando de lado las posturas políticas, presentamos acá un disco repleto de jugo musical. Digo esto ya que el tema "Cuba Linda" puede no ser del agrado de muchos por el mensaje que pregona. 



01. Goza Mi Mambo Cubano 
02. A Francisquita la Gusta el Cusubé 
03. Redención 
04. Prisionero de Amor 
05. Guajira de Mi Corazón 
06. Why? Why Not! 
07. Los Tres Ases 
08. Otan Efó 
09. Emboba 
10. La Danza/Baílalo Si Puedes 
11. Rhapsody in Blue 
12. Cuba Linda 
13. Yényere Guma 


Escuchá!


martes, 20 de marzo de 2012

Jackson do Pandeiro - E Vamos Nós! - 1964




En Alagoa Grande el 31 de agosto de 1919 nace José Gomes Hijo, luego conocido como Jackson do Pandeiro.

"Yo quería ser acordeonista, pero el acordeón era un instrumento caro, siendo el pandeiro más barato, eso fue lo que recibí de regalo por parte de mi madre, Flora Mourão, cantadora de coco, a quién desde chico escuché cantar y acompañé con zabumba y ganzá". 

Al morir su padre, con 13 años se traslada con su madre y hermanos a Campina Grande. Ahí trabaja como repartidor de pan, de limpiabotas y de alguna otro servicio. En la feria de la Campina entre un mandado y otro, paraba con los cantantes de coco y guitarristas. Otra de las actividades era la de ir al cine, sobre todo a mirar películas del lejano oeste. Aquí siente admiración por el actor Jack Perry y es así como José se transforma en Jack.

A los 17 años, deja el trabajo en la panadería y pasa a ser baterísta en el Club Ipiranga. En 1939, ya formaba dupla con José Lacerda, hermano mayor de Genival Lacerda. Ahora era Jack do Pandeiro. 

Al comienzo de la década de los 40, Jackson se muda a João Pessoa, en donde contínua sus trabajos en cabarés y tiempo después comienza a trabajar en la Radio Tabajara hasta 1946. 

En 1948 se va para Recife a trabajar en la Radio Jornal do Comércio. Ahí fue en donde el director del programa le sugirío cambiar Jack por Jackson argumentando que iba a tener más efecto al pronunciarse en el micrófono.

En 1953 Jackson con 35 años, graba su primer gran suceso: Sebastiana de Rosil Cavalcanti. Y poco después aparece con un nuevo hit: Forró em Limoeiro, compuesto por Edgar Ferreira. 
  
Trabajando en la radio de Pernambuco conoce a Almira Castilho de Alburquerque con quién vive desde 1956 hasta 1967. Entre esos años hacen dupla, ella cantando y bailando a su lado. Algunos de sus temas fueron registrados a nombre de Almira. Luego se separan y se casa con Neuza Flores dos Anjos, con quién que se separa poco antes de fallecer.

En Rio, trabajando en la Radio Nacional, Jackson saca temas como: Chiclete com Banana, Um a Um y Xote de Copacabana. La crítica estaba sorprendida por la facilidad de Jackson para cantar en varios generos: baião, coco, samba-coco, rojão.

Algunos de los músicos que lo acompañaban como Dominguinhos y Severo, dicen que era un gran acordionista de boca, ya que le pasaba las melodías por boca a los acordionistas que tocaron con el. El haber trabajado en cabarés, aprende formas de Jazz que utiliza en los arreglos de sus composiciones.
  
En el escenario, tenía un swing muy especial, era una mezcla de malandro carioca con Nordestino.
  
A los 63 años, sufriendo de diabetes da un espectáculo en Santa Cruz de Capibaribe, en donde se siente mal pero se niega a bajar del escenario. Infartado continúa cantando, y así actúa dos veces más. Severo, acordionista que lo acompañó en ese momento quiso cancelar las fechas pero Jackson no lo permitió. Así después de cumplir en Brasilia, se desmaya en el aeropuerto, lo trasladan al hospital y días más tarde muere de una embolia cerebral. 

Muchos lo consideran como el mayor ritmísta de la historia de la música popular brasilera. Con 30 albumes grabados se gana el nombre de "O Rei do Ritmo". 




MPB Especial - Ensayos







01 - Babalao
02 - O Assunto e Berimbau
03 - Lamento do Jangadeiro
04 - No Balanco do Baiao
05 - Mare Vai
06 - Tililingo
07 - Comprei um Berimbau
08 - Samba de Calolé
09 - Cheguei Agora
10 - Rosalina
11 - Parabens, Guanabara
12 - O Bom Xaxador



Escuchá!



lunes, 27 de febrero de 2012

Papá Roncón - Marimba Magia


Dos elementos distinguen la música de la costa nor-occidental de Ecuador. El primero tiene que ver con las raíces africanas, en donde se interpretan con marimbas, bombos, guasas y conunos. El segundo es la danza llamada Bambuco, danza que es originaria de Colombia, pero dado a la proximidad de Esmeraldas, Capital de la Danza de la Marimba o del "Currulao" se instala en Ecuador como una forma de manifestación de las raíces Africanas. Esmeraldas fue uno de los principales puertos negreros de lo que era en ese momento La Real Audiencia de Quito hace unos 500 años. Entre las tribus esclavas estaban los Mandingas, los Congos de habla bantú y los Angolas. Un poco más alejado de la costa, en la zona del Valle del Chota se dio también una fuerte población de origen africano, la cual fue traída por los jesuitas para trabajar en las minas de Salinas. Instalados allí, dieron nacimiento a La Bomba del Chota, dentro del cual elementos musicales africanos, incaicos y europeos se hacen uno. Dentro de los ritmos tradicionales de Esmeraldas está el bambuco, el patacoré, la pangorita, el mar afuera, el fabriciano y la caderona; o lo más cadenciosos, como el andarele, el caramba, el torbellino, el agua larga, el agua corta y la polca.

Dentro de la Música de Marimba, hay ciertas canciones que son de carácter profano mientras que otras canciones son de carácter sagrado, estas se llaman "Arullos". La interpretación de los arrullos se realiza siempre en el marco de celebraciones religiosas: velorios de angelitos, fiestas de santos, nacimiento del Niño Dios, cualquiera que sea el caso, el arrullo en cuanto a forma musical, posee contenidos mágico-religiosos dado que con el canto se busca “abrir el cielo” para la entrada del angelito, “traer al santo a la fiesta”, para agradecerle y para conseguir sus favores.

Las tradicionales “fiesta de marimba” fueron ocasiones de encuentro, de reforzamiento de las relaciones sociales, de cortejo, y en ellas el baile ocupaba el lugar preponderante. Antiguamente, las fiestas en las que se danzaban todos estos ritmos se celebraban en las casas de marimba. Eran conocidas como "Curralaos", y estas podían llegar a durar una semana. Para la comunidad significaba que era la ocasión para encontrar novio o novia como también para expresar la identidad. 

Las formas musicales propias de Esmeraldas se muestran bien amarradas a las raíces africanas. Su riqueza rítmica, lograda mediante la ejecución de instrumentos de percusión, así como también la estructura de la composición coral, en un sistema de llamada-respuesta, la polirritmia, los tiempos de 6/8. Rasgos característicos de la música africana y de todas las músicas afro-latinas.

La marimba esmeraldeña guarda notable similitud con instrumentos africanos como el Rongo o Balafón, instrumento utilizado por lo Ndogos pero cuyo origen se encontraría en la tribu de los Woro. Ambos instrumentos muestran idéntica estructura y sus diferencias consisten principalmente en sus respectivos tamaños y en los materiales utilizados: el rongo es de menor longitud y tiene menos teclas que la marimba esmeraldeñas y, por otra parte, las calabazas ahuecadas de aquel son reemplazadas en ésta por ‘tarros’ de caña guadúa, desempeñando ambos elementos la función de cajas de resonancia. Es un instrumento de 24 teclas de distinta longitud y sonoridad, construidas de chonta dura, una madera noble típica de las selvas tropicales de América. Las teclas se golpean con unas baquetas de chonta y bajo ellas se colocan unos resonadores de caña guadúa. La marimba esmeraldeña es normalmente acompañada por dos cununos, guasás y maracas. Los cununos son tambores alargados de tamaño medio, de dos tipos: hembra y macho, diferenciando su sexo por su tono.

En Esmeraldas es donde vive Guillermo Ayoví Erazo o Papá Roncón, el guardián de la tradición marimbera. Su marimba le canta a la naturaleza, a los montes, a los amigos, a la sabiduría de las plantas. Marimba es señal de identidad,  de memoria, la que extingue la esclavitud. Con 77 años se dedica de lleno a la música, a componer canciones, a tocar y a fabricar marimbas, a decir décimas y también a enseñar lo que sabe, en Borbón, Esmeraldas. 

"¿Lo que yo sé para qué me lo voy a llevar?"

"Lo tengo que enseñar. A mi casa llegan estudiantes y a veces me van a preguntar cosas que los profesores no saben y no tengo ningún grado académico”.

Con su esposa, sus hijos e hijas creó el grupo La Catanga. Con esta agrupación formó escuela, enseñó a tocar y bailar marimba. Muchos de los que se dedican en la actualidad a ser Marimberos, tuvieron su origen allí y se siente alegre por que la marimba se esté popularizando otra vez. Una muestra del reconocimiento alcanzado por este instrumento es que en el 2003 fue declarado parte del Patrimonio Cultural Intangible del Ecuador. El grupo "La Catanga" toma su nombre de un tradicional instrumento de pesca y también del nombre de una provincia del Congo en África. En este proyecto de fortalecimiento cultural se trabaja música y danza de marimba, artesanía, poesía, construcción de instrumentos, cuentos y leyendas. Con estas actividades se ha mantenido y financiado su quehacer en las diferentes áreas, sobre todo en la capacitación de sus integrantes, ya que no tuvieron apoyo de autoridad alguna, a pesar de las múltiples gestiones que realizaron, y que por "La Catanga" desde su fundación, hayan pasado mas de 500 integrantes compuestos por niños, niñas y jóvenes quienes han aprendido diversas actividades dentro del Baile de la Marimba.

La Marimba, como conjunto de instrumentos, bailes y piezas musicales, fue declarada Patrimonio Cultural Intangible por el Instituto Nacional de Patrimonio Cultural del Ecuador el 13 de enero de 2003.


01 Agua Larga
02 Oyeya
03 Caramba
04 Bambuco
05 Amigo, mi Amigo
06 Abuela Santana
07 Fafireña
08 Caderona
09 San Juanito Negro
10 Torbellino
11 Flor de Verano
12 Ese Golpecito No Se Oye
13 Andarele
14 Papá Roncón y su Marimba

lunes, 21 de noviembre de 2011

PARTIDO ALTO - LEON HIRSZMAN - 1976/1982

“El samba de Partido Alto es una música pequeña y de comunicación. De comunicación inmediata. Es una cosa que se habla poco y se dice mucho.”



Complementando al anterior post, compartimos este documental del realizador brasileño Leon Hirszman -amigo de la casa y futuro reincidente en este blog- filmado en 1976, con la colaboración del músico Paulinho da Viola.
Este documental es un registro histórico y un tributo a "la forma más auténtica del samba" como lo define el propio Candeia. El samba de Partido Alto: un estilo de samba cantado en forma de desafío entre dos o más partideiros, donde se alternan los versos improvisados o del repertorio tradicional con el refrán, o "primera", a coro con el resto de los participantes. Es así como en estas rondas de Partido se van construyendo las canciones de manera libre y grupal.
Participan de estas grabaciones varios de los sambistas más importantes del género: Candeia, el propio Paulinho da Viola que también se hace cargo de la narración, Manaceia, Wilson Moreira, Osmar do Cavaco, Joãozinho da Pecadora y varios otros.
Todas las músicas están grabadas en el ambiente donde surgen y surgieron, en los morros, de ahí su nombre de Partido Alto.


“La ronda de Partido es un momento de libertad... es una forma de comunión entre la gente de samba. Es fiesta, es gozadera, en la cual todos participan como pueden y como quieren. El arte más puro es el jeito de cada uno y los Partidos ofrece esa oportunidad.”
“El samba tiene, hoy, muchos compromisos, que reducen la creatividad de los sambistas a los límites dictados por el gran espectáculo. En el Partido, sin embargo, todo ocurre de un modo más espontáneo. Por eso siempre habrá partideiros. Y el verso, improvisado o no, reflejará las verdades sentidas en el alma de cada uno.”
Este tipo de expresión y maestría del samba -la improvisación de versos en rondas de Partido- se encuentra en gradual extinción ya que, citando al etnomusicólogo Alejandro Ulloa, "la industrialización musical tiende a promover la extinción de los productos culturales tradicionales y silenciar a sus autores para, en lugar de ellos, formar consumidores de los productos de una cultura masificada."
Festejando el esfuerzo de los que se empecinan en que esto no sea totalmente cierto, dejamos esta joyita documental, con mucha música y mucho cine.

Ficha:
Duración: 22 min.
Idioma: Portugués
Subtítulos: Español, Portugués, Inglés y Francés.
País: Brasil
Color

Director: Leon Hirszman
Productor Ejecutivo: Embrafilme
Fotografía y cámara: Lúcio Kodato y Leon Hirszman
Editor: Alain Fresnot
avi | XviD ISO MPEG-4 | 297,5 MB | 0h 22mn 40s | 1749.36 kbits/s | 640 x 464 pixels| 23.98 fps | MPEG-1 Layer 3 | 48,0 kHz
Imagen en alta definición (2k) restaurado digitalmente desde el negativo 16 mm original.
Sonido restaurado digitalmente, remasterizado y remezclado desde la copia magnética original.



sábado, 19 de noviembre de 2011

BEZERRA DA SILVA - AO VIVO - 1999

Cantor, compositor e instrumentista, Bezerra da Silva es uno de los sambistas más importantes y reconocidos de Brasil. Es tenido como uno de los principales representantes del Sambandido, un sub-género del samba de Partido Alto que es el samba originario de los morros, de las favelas, caracterizado por mezclar formas antiguas y modernas de canto y toque, desde los cantos improvisados en base a llamadas y respuestas entre un coro e improvisadores hasta canciones con estructuras y versos fijos.

Nacido en Recife el 23 de febrero de 1927, Bezerra estuvo ligado a la música desde niño, tocando percusión, cantando en las reuniones familiares. Su padre, marino mercante, abandonó el hogar cuando Bezerra era pequeño, instalándose en Río de Janeiro. A los 15 años Bezerra decide también alistarse en la Marina mercante para poder viajar a Río e intentar encontrarlo. Al poco tiempo de llegar es expulsado de la Marina pero logra descubrir el paradero de su padre. Luego del reencuentro, la relación no funciona y tras una pelea decide irse a vivir solo, instalándose en el Morro do Cantagalo, trabajando como pintor en la construcción. Paralelamente logra entrar en una comparsa de carnaval como percusionista, conjunto con el cual participa en varias emisiones de Rádio Clube do Brasil en 1950. 
Luego de este período de aparente establecimiento, Bezerra termina viviendo como mendigo en las calles de Pernambuco durante siete años. Tras un intento de suicidio del cual fue "salvado" por un Santo da Umbanda, se vuelve practicante de esta religión para entrar luego en la Iglesia Evangélica. De ahí en más decide dedicarse por completo a la música, grabando su primer compacto en 1969, con 42 años y su primer LP seis años después.
Sus primeras grabaciones no tuvieron mucho éxito pero a partir de la serie Partido Alto nota 10, comienza a encontrarse cada vez con más público. En adelante el repertorio de sus discos empieza a ser generado por él, más un conjunto de varios autores anónimos, que resguardados bajo seudónimos pudieron contar los problemas cotidianos de la vida en las favelas, de los trabajadores, de los malandros. Fue uno de los fundadores de un estilo que los críticos denominaron Sambandido, canciones que describen y/o denuncian una realidad social del mismo modo que luego lo harían el Gangsta Rap estadounidense, el Hip Hop brasilero o la Cumbia Villera argentina. Durante su carrera varios lo tacharon como un defensor de bandidos, un apologista del delito y el consumo de Drogas, cuando básicamente su música es una respuesta a todos los juicios que desde fuera reciben los habitantes de las favelas.

Acá dejo un cortometraje que explica todo esto con bastante más claridad y swing del que yo puedo lograr, mostrando a la barra de letristas y compositores de las canciones que Bezerra popularizó.

Onde a Coruja dorme
Dir: Márcia Darraik y Simplicio Neto
Debajo, un link en Vimeo, con subtítulos en inglés y mejor calidad de imagen y sonido.
Para terminar la presentación del músico, otro cortometraje del funeral de Bezerra, muerto en la mañana del lunes 27 de enero del 2005, a los 75 años. Como "bom malandro" que era, insistía en que no quería morirse un domingo o feriado para no arruinarles el día de playa a los amigos y efectivamente no lo hizo. 

O dia em que o bambu quebrou no meio
Dir: Arthur Muhlenberg y Pedro Asbeg

El disco en cuestión es una selección de sus canciones más populares, un hit atrás de otro haciendo del estarse quieto un asunto imposible. Como buen público brasileño, miles de personas corean todas las melodías a la perfección y ayudan a que este disco en vivo tenga una fuerza increíble.

1- Aqueles morros                  (Pedro Botina, Bezerra da Silva)
2- Arruda de Guiné                (Rubens da Vila, Bira do Cavaco, Velho Bira)
3- Bicho feroz                       (Tonho, Cláudio Inspiração)
4- Malandragem dá um tempo (Adelzonilton, Popular P, Moacyr Bombeiro)
5- Candidato caô-caô             (Pedro Botina, Walter Meninão)
6- Overdose de cocada           (Dinho, Ivan Mendonça)
7- Seqüestraram minha sogra   (Rodi do Jacarezinho, Sarabanda, Barbeirinho do Jacarezinho)
8- Pai véio                             (Luiz Moreno, Geraldo Gomes)
9- Se liga doutor                    (Marquinho Capricho, Batatinha)
10- Dando mole pra Kojak       (Galhardo, Batatinha)
11- Foi o dr. delegado que disse (Pinga, Jorge Portela, Caboré)
12- A necessidade                   (José Garcia, Jorge Garcia)
13- Pega eu (O supra sumo da honestidade) (Criolo Doido)
14- Na Rocinha                       (Regina do Bezerra)
15- Eu não tenho lar               (Regina do Bezerra)
16- Vingança cruel                  (Regina do Bezerra)
17- Vivo que nem papel          (Regina do Bezerra)
18- Se Leonardo dá vinte...     (G. Martins, Walter Coragem, Bezerra da Silva) 



Rip mp3 192 kbps.

"Quem não gosta de samba bom sujeito não é
 É ruim da cabeça ou doente do pé"

domingo, 2 de octubre de 2011

The Koola Lobitos - 1969 Los Angeles Sessions


Koola Lobitos... Así se llamó la primer agrupación del músico activista nigeriano Fela Kuti. La banda así llamada alrededor de los 60´crea el Afrobeat, mezcla de Jazz con música de la costa oeste de África, el Highlife, derivación del Joromi. Por esta razón Fela Kuti canta en Yoruba en estas primeras grabaciones, más tarde comenzará a cantar en inglés para cruzar las fronteras y difundir su pensamiento. Grabaciones que no vuelve a grabar ni a interpretar ya que su ideología creativa dice que los temas no deben ser re-interpretados para que no haya una repetición por parte del artista... Si es que vemos al arte como la arquitectura del alma y de las ideas. De todas formas su manera de componer no varía radicalmente a lo largo de su carrera. Este disco en especial suena un poco más crudo e impreciso que lo que comúnmente conocemos de este señor y en esta instancia los temas no duran 30 minutos... Se deja ver como todavía el estilo se está gestando, con un tinte más a Highlife que a Afrobeat... ya que este deriva del anterior,  pero de todas formas con un estilo único que lo caracteriza a los largo de sus registros.... 
Fela Kuti graba 77 discos en toda su carrera... 
En este disco que hoy se comparte están las grabaciones hechas por los 69´en Los Angeles. Año en el cual la banda se pasa a llamar Africa 70´ y es deportada de los Estados Unidos por su relación activa con "Los Panteras Negras" y  "El Poder Negro". 

Music is the Weapon


Sin más parafernalia les dejo aquí el documental "Music is the Weapon" y "The 69´ Angeles Sessions" en el link de abajo.

Lista de Temas:


01 - Highlife Time
02 - Omuti Tide
03 - Ololufe Mi
04 - Wadele Wa Robin
05 - Laise Lairo
06 - Wayo (1st. Version)
07 - My Lady Frustration
08 - Viva Nigeria
09 - Obe
10 - Ako
11 - Witchcraft
12 - Wayo (2nd. Version)
13 - Lover
14 - Funky Horn
15 - Eko
16 - This Is Sad